martes, 28 de marzo de 2017

El santo entierro Juan de Juni

                                        mARTEs  28mar2017
El Santo entierro 



Obra realizada por el escultor francés renacentista asentado en España Juan de Juni, esta obra es el primer grupo escultórico documentado de este autor, realizada entre 1541-1545 bajo el encargo del Fray Gevara que se lo pidió para situarlo en el retablo de su capilla funeraria recién edificada en el desaparecido convento de San Francisco en Valladolid.

El grupo escultórico está realizado en madera policromada,dotada la obra de un gran dramatismo aportado por los rostros y gestos de los personajes que componen esta obra, Juni es conocido por ser un gran retratista que conoce la anatomía humana, En la obra  aparecen siete personajes, el más importante es Cristo situado en el centro de la obra, aparece Cristo yacente, con las heridas sufridas durante la pasión, aparece el elemento de la sangre dotando de dramatismo a la obra anticipándose al barroco, a la derecha del cuerpo yacente de cristo aparece Nicodemo portando en su mano un pañuelo con el que ha limpiado el cuerpo de Cristo, al lado de este está situada María Magdalena , en el centro de la obra está situada la Virgen María arrodillada y con los ojos llenos de lágrimas por la muerte de su hijo,ya no es una virgen niña es consolada por Juan el cual girado, en posición de escorzo , a continuación de estos aparece María Salomé que porta en sus manos la corona de espinas.
Todo el grupo escultórico se ve influenciado por la escultura de Miguel Ángel y Borgoña, pues los cuerpos son cuerpos anchos, de mayor altura siguiendo el canon establecido por Miguel Ángel y vestiduras muy voluminosas.
                                                                                                             Alba Torres Herrera.

martes, 21 de marzo de 2017

EL TRIBUTO DE LA MONEDA


                                      
                                      mARTEs  21mar2017



EL TRIBUTO DE LA MONEDA.






El pago del tributo o, simplemente, El tributo es una de las escenas más famosas de los frescos más destacados de pintados por Masaccio en la Capilla Brancacci (iglesia de Santa María del Carmine en Florencia). Se trata deuna pintura perteneciente al arte renacentista en Italia.

En cuanto al tema concreto, parece que se relaciona con el establecimiento del Catastro, el primer impuesto sobre los ingresos de Florencia, en la época en que se estaba ejecutando la pintura. También se ha relacionado con los nuevos intereses marítimos de Florencia.

Se narra la llegada de Jesús con sus apóstoles a Cafarnaum, recogida en el Evangelio según San Mateo, en tres episodios dentro de la misma composición: en el centro contemplamos al recaudador solicitando el tributo a Cristo y éste indicando a Pedro que en el agua encontrará el dinero; en el fondo, a la izquierda, observamos a san Pedro sacando una moneda de la boca de un pez; y en la derecha el pago del tributo ante una construcción.

Hay diversa unidad temporal, pero igual unidad espacial: perspectiva única, sombras determinadas con la misma inclinación de los rayos del sol, montañas que se difuminan en el horizonte.

La escena se desarrolla parcialmente en un espacio arquitectónico, construido según las leyes de la perspectiva; más renovador es el paisaje del lago y de las colinas que se despliega en profundidad en tonalidades suaves y que ayuda a destacar, por contraste, las figuras coloreadas de Cristo y de los apóstoles en el primer plano de la escena.
El paisaje y la arquitectura contribuyen a dar unidad al cuadro: las referencias a los montes forman un "paréntesis" para toda la escena; las líneas de fuga de la arquitectura convergen en la cabeza de Cristo.

Los personajes tienen expresiones vivas. Están representados en su conjunto de manera maciza, con formas escultóricas gracias al claroscuro, evocando obras de escultores contemporáneos de Masaccio como Donatello o Nanni di Banco. Ese carácter estatuario de los personajes es propio de la tradición de los pintores florentinos, desde Giotto hasta Miguel Ángel.

La importancia de la pintura radica también en la representación de Jesús con rasgos humanos, y de la misma altura que los discípulos, lo que supone un rechazo revolucionario a la "perspectiva jerárquica" de tratamientos precedentes de temas similares.

Masaccio usa la teoría de colores clásica para enfatizar el espacio en la pintura: los colores cálidos avanzan, los fríos retroceden. Es por ello que pinta a los apóstoles en capas azules y rojas de pie frente a un fondo grisáceo.



En cuanto al tema concreto, parece que se relaciona con el establecimiento del Catastro, el primer impuesto sobre los ingresos de Florencia, en la época en que se estaba ejecutando la pintura. También se ha relacionado con los nuevos intereses marítimos de Florencia. 


Laura García.




Hª del Arte


2º B de Bachillerato

martes, 14 de marzo de 2017

LA PIETÁ, SAN PEDRO DEL VATICANO


                                      
                           mARTEs  14mar2017


LA PIETÁ (SAN PEDRO DEL VATICANO)


Foto tomada de aquí

La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizado por Miguel Ángel entre 1498 y 1499, de grandes dimensiones, se encuentra en la Basílica de San Pedro de la Ciudad del Vaticano. En esta obra es de bulto redondo, se encuentra representada La Virgen María, joven, bella y piadosa, cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene a Cristo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la madre, ya que se buscaba así representar la virginidad de la misma. La juventud de la Virgen María es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una madre eternamente joven y bella.

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino.

Para Miguel Ángel en el interior de un bloque de mármol está contenida toda la Naturaleza, el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra, en este caso el dolor de una madre que tiene sobre sus rodillas a un hijo asesinado.

Los ejes del cuerpo de Jesús se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María, el brazo derecho de Jesús cae inerte, éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que está lleno de vida, los pliegues de la Virgen forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en "sfumato".

En 1972, la imagen sufrió un ataque cuando un geólogo australiano, golpeó el rostro y uno de los brazos de la Virgen con un martillo. La estatua sufrió graves daños, sobre todo en la figura de la Virgen. Desde entonces, la Piedad está protegida por una pared de vidrio especial a prueba de balas.

Clara María Santa-Isabel Caumel



Hª del Arte
2º B de Bachillerato

martes, 7 de marzo de 2017

CATEDRAL DE SANTA MARÍA DE FIORE, FLORENCIA (CÚPULA)



mARTEs    07mar2017




CATEDRAL DE FLORENCIA (CÚPULA)





Foto tomada de aquí



La catedral de Santa María del Fiore (del italiano Santa María de la Flor) es una de las obras más destacadas del Gótico italiano. Sin embargo, centrándonos en su cúpula, esta supone el punto de partida de uno de los periodos artísticos más importantes: el Renacimiento.

La cúpula original, diseñada por Arnolfo di Cambio, era de madera. No obstante, en 1419 tuvo lugar un concurso para diseñar una nueva, resultando ganador Filippo Brunelleschi, que construyó la cúpula que hoy conocemos.

Esta estructura de 45,5 metros de diámetro al exterior está inspirada en la cúpula del Panteón de Agripa. Brunelleschi había viajado previamente a Roma,donde había pasado años haciendo mediciones y di­­bujando los monumentos antiguos y anotando sus secretos arquitectónicos.

Dado que la catedral en un principio estaba preparada para soportar un cimborrio y no una cúpula, esta debía ser lo más ligera posible. Por ello, el proyecto de Brunelleschi consistió en levantar una cúpula doble octogonal: una visible al exterior, cubierta con ladrillos rojos imitando el modelo romano del opus spicatum; y otra visible solo desde el interior, decorada con pinturas al fresco de Giorgio Vasri hechas casi un siglo después. Ambas cúpulas se construyeron con ladrillos huecos y están conectadas mediante cadenas. Se trata además de la primera cúpula octogonal construida sin el soporte de un armazón de madera.

Sin necesidad de andamiajes convencionales apoyados en el suelo y con novedosas máquinas elevadoras diseñadas por el propio Brunelleschi, se inició la construcción de la cúpula en 1420. Como tal, la cúpula se terminó en 1436. Sin embargo no fue rematada hasta años después. En 1446, meses antes de la muerte de Brunelleschi, se inició la construcción de la linterna, estructura octogonal con ocho arbotantes en radio y ocho ventanas arqueadas, terminada en 1469.



Así pues, la cúpula de Santa María del Fiore representa el inicio de uno de los períodos artísticos más prolíferos de la historia. Bien podría considerarse también que la vida de Brunelleschi fue un largo aprendizaje encaminado concretamente a construir esta cúpula de belleza sin igual, tan útil, poderosa y honorable como quería Florencia. Con obras así, Florencia se convirtió en el foco de origen del Renacimiento.


Celia Álvarez



Hª del Arte
2º B de Bachillerato